2021

PROJETS LAURéATS / GEFÖRDERTE PROJEKTE

Aliénor Dauchez / Cie La Cage | Un Renversement – von Don Giovanni

Claire Terrien / Plus Ou Moins Cirque (POMC) Productions & FELD Theater für junges Publikum | Arpentage / Feldmessung

Citizen.KANE.Kollektiv & Théâtre du Point du Jour & Julia Lauter | Grand ReporTERRE #4: DEADLINE

Emma Tricard & Cécile Bally | Le débordement / Die Ausschreitung

Eszter Salamon | MONUMENT 0.9: Replay

Guillaume Marie / Tazcorp | Snowcloud

Mikaël Serre | Dialaw Project

Nacera Belaza | L’Envol

Pol Pi & Solistenensemble Kaleidoskop | IN YOUR HEAD

Rafi Martin & Julika Mayer | Resonancias

Zora Snake & Clay Apenouvon | Les masques tombent

Aliénor Dauchez / Cie LA CAGE

Un renversement — von Don Giovanni

Création / Uraufführung

11.-13.11.2021 : Theater im Delphi, Berlin (DE)

Représentations / Vorstellungen

19.-20.11.2021 : Le théâtre municipal Raymond Devos, Festival NEXT, Tourcoing (FR)

18.-19.03.2022 : Theaterhaus Thurgau, Weinfelden (CH)

21.-22.03.2022 : Gare du Nord, Basel (CH)

08. + 10.04.2022 : Ballhaus Ost, BAM-Festival, Berlin (DE)

Webseite

Un renversement — von Don Giovanni

Un Renversement est une adaptation de Don Giovanni de Mozart et Da Ponte, dans une logique de renversement, de retournement, de révolution.
Johannes Keller et Marta Zapparoli porteront la direction musicale de la pièce, interprétée par 1 soprano, 1 baryton/comédien et 3 instrumentistes : clavecin, synthétiseur /flûte/violon et électronique. La musique sera écrite au plateau dans la tradition baroque. Au moyen de densifications, dilatations et réductions seront interrogés le rôle du corps dans les relations de pouvoir ; et le rapport entre la morale et l’art aujourd’hui. Les parties chantées et instrumentales de l’opéra originel seront partagées entre les chanteurs et les musiciens, sans attribution de genre, ce qui pourra engendrer des renversements dans les harmonies et les accords. Zapparoli travaillera principalement à partir de bandes magnétiques, faisant entendre à la fois des versions historiques de l’opéra et des sons enregistrés en live au plateau, tout en les retravaillant, les retournant, les distordant. Les bandes magnétiques, mais également des papiers et tissus, joueront un rôle dans ces renversements de matériaux.
Le livret sera combiné avec des textes d’auteur·ices tel·les que C. Millet, P. Preciado, V. Despentes, M. Mazaurette ou C. Emcke.
Ce Don Giovanni met en jeu les codes de représentation de l’opéra et en écrit un renversement.

Un renversement — von Don Giovanni

„Un Renversement“ geht der bildhauerischen Idee des Kippens nach - des Umstürzens, der Umkehrung von Objekten, Werten, Harmonien und Körpern, um die Frage der Moral in der Kunst zu untersuchen.
Für 1 Sopranistin, 1 Bariton, 1 Flötistin und Geigerin, 1 Tasteninstrumentalist (Cembalo, Synthesizer) und Live- Elektronik wird das Stück von Marta Zapparoli unter der musikalischen Leitung von Johannes Keller neu komponiert. Live-Aufnahmen und historische Aufnahmen von Don Giovanni auf Tonbändern werden in Zapparolis Händen umgedreht und verzerrt. Die Partien werden von allen Interpreten unabhängig von Gender und Instrument aufgeführt. Die Tonhöhenhierarchie der Partitur wird verhandelbar, melodische und harmonische Umkehrungen können geschehen.
Das Libretto wird mit Texten von Autor*innen wie V. Despentes, P. Preciado, M. Mazaurette oder C. Emcke kombiniert, die von La Cage in Auftrag gegeben werden. Die Tonbändern sind zusammen mit Stoffen und Papieren im Raum verspannt und erzeugen Umdeutungen von Alltagsmaterialien und performative Situationen, die in der neuen Position eine andere Funktion annehmen. Objekte und Körper kippen. Dies soll für musikalische und dramaturgische Renversements sorgen.

Claire Terrien, Caroline Tallone, Blandine Casen & Lena Gätjens

Feldmessung - Arpentage

Création / Uraufführung

11.-14.03.2022 : Feld Theater Berlin (DE)

Représentations / Vorstellungen

10.-12.06.2022 : Feld Theater Berlin (DE)

14.-17.09.2022 : Feld Theater Berlin (DE)

20.-22.10.2022 : Feld Theater Berlin (DE)

Webseite

Arpentage

Feldmessung / Arpentage est un projet performatif qui permet de questionner de manière ludique les processus de mesure, et met en lumière leurs possibles inexactitudes et défaillances. Afin de définir les limites spatiales et d’explorer certaines lois de physique fondamentale, les performeuses s’emparent aussi bien de leur propre corps que de nombreux outils de mesure. Mouvements acrobatiques, tension des cordes, expérimentation sur la lumière, manipulation d’outils de travail, les performeuses développent leur propre méthode de mesure et emmènent leur public dans un monde où sciences et poésie s’entremêlent.

Feldmessung

In ihrer Performance setzt sich POMC mit Gesetzen & Kräften der Physik auseinander und bündelt rund um das Thema „Messen“ wissenschaftliche Auseinandersetzung, künstlerische Ausdrucksformen, handwerkliche Fähigkeiten und visuelle Ästhetiken. Zugleich thematisieren sie in diesen Kontexten weibliche Arbeitspraxis und das Spannungsfeld digitale / analoge Arbeit. Durch akrobatische Bewegungen, Lichtexperimente und dem Spiel mit Objekten werden die Grundkräfte der Physik, unsere Risikobereitschaft und die Möglichkeit des Scheiterns untersucht. Zwischen Kunst und Wissenschaft wird versucht eine Art Inversion der Messung sichtbar zu machen hin zu einer Multiplikation der Möglichkeiten, einer Poetik des Undefinierten.

Citizen.KANE.Kollektiv, Éric Massé, Heidi Becker-Babel, Loïc Risser & Julia Lauter

Grand ReporTERRE #4 DEADLINE

Création / Uraufführung

04.-05.11.2021 : Festival euro-scene Leizpig (DE)

Représentations / Vorstellungen

12.-13.11.2021 : Kammertheater, Staatstheater Stuttgart (DE)

21.-23.11.2021 : Théâtre du Point du Jour, Lyon (FR)

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Grand ReporTERRE #4

Dans Grand ReporTERRE #4, équipes artistiques et journalistes mêlent leur vision artistique et expertise documentaire sur un sujet qui agite la société. En croisant leurs regards, ils croisent aussi leur temporalité. S’en dégage une expérience scénique hybride, qui questionne des sujets de société d‘actualité.
Ici, il s’agira pour l‘équipe franco-allemande de confronter les choix énergétiques de leur gouvernement et leurs impacts sur les générations à venir. Le travail d’investigation autour des mines de charbon allemandes et les centrales nucléaires françaises est complété par des rencontres avec des acteurs issus de la société civile : mineurs retraités, anciens salariés de centrale, scientifiques et activistes. Leur parole sera traitée en parallèle de référence mythologiques et littéraires : à l’image de Prométhée, les mineurs allemands ont d’abord été perçus comme des héros en apportant une source d’énergie et de profit avant de devenir petit à petit des destructeurs de l’environnement.

Grand ReporTERRE #4

In „Grand ReporTERRE #4“ verbinden Künstler*innen und Journalist*innen ihre künstlerische Vision und dokumentarische Expertise zu einem Thema, das die Gesellschaft gegenwärtig stark beschäftigt. Ihre Arbeitsweisen verbinden sich und somit auch die unterschiedliche Zeit -und Produktionsabläufe. Das Ergebnis ist ein hybrides Bühnenerlebnis, mit dem Hintergrund aktueller Thematiken.
In „Grand ReporTERRE #4“ setzt sich das deutsch-französische Team mit den Energieentscheidungen ihrer Regierung(en) und deren Auswirkungen auf zukünftige Generationen auseinandersetzen. Die investigative Arbeit in deutschen Kohlebergwerken und französischen Atomkraftwerken wird ergänzt durch Gespräche mit Akteur*innen der Zivilgesellschaft: pensionierte Bergleute, ehemalige Anlagenmitarbeiter*innen, Wissenschaftler*innen und Aktivist*innen.

Emma Tricard & Cécile Bally

Le débordement - Die Ausschreitung

Création / Uraufführung

03.-05.12.2021 : Ballhaus Ost, Berlin (DE)

Représentations / Vorstellungen

21.-22.01.2022 : Ballhaus Ost, Berlin (DE)

14.07.2022 : concert + workshop : 3bisf, lieu d’arts contemporains, Aix-en-Provence (FR)

09.-10.11.2022 : Festival BORN TO BE ALIVE, Manège, Scène nationale de Reims (FR)

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Die Ausschreitung

„Die Ausschreitung“ ist eine Zusammenarbeit von Emma Tricard (Marseille) und Cécile Bally (Berlin), die sich mit den Begriffen Spekulation und Adaption im Science-Fiction beschäftigt.
Die Zukunft wird von unseren Regierungen geplant, von den Medien verkündet, ihre Prophezeiungen zwingen uns zu einer ständigen Anpassung und prägen unsere Gegenwart. So schrumpft unsere Vorstellung von der Zukunft, bevor sie überhaupt eine Chance hat, sich zu entfalten: Können wir die Zukunft bestimmen oder müssen wir uns der Zukunft anpassen? Die Ausschreitung ist eine Adaption eines Science-Fiction-Textes- der in kollektiven Schreibworkshops in Aix-en-Provence, Berlin, Santiago und Kortrijk entstehen wird- in eine getanzte Performance. Zwischen wortwörtlichem und übertragenem Sinn des Szenarios, repräsentativen Gesten und Abstraktion der getanzten Bewegung wird der Text zu unserer Körperpartitur. Angesichts einer autoritären und bestimmenden Textfiktion werden wir nach möglichen Lücken suchen, wo die Geschichte noch erfunden, verhandelt werden kann, wo nicht schon alles geschrieben ist.

Le Débordement

Le Débordement est une collaboration entre Emma Tricard (Marseille) et Cécile Bally (Berlin) qui explore les notions de spéculation et d'adaptation dans la science-fiction.
Le futur est planifié par nos gouvernements, proclamés par les médias, sa prophétisation nous contraint à un perpétuel ajustement et façonne notre présent. Ainsi, nos idées sur l'avenir se rétrécissent avant même d'avoir eu la chance de s'épanouir : peut-on décider du futur ou doit-on s'adapter au futur ? Le Débordement est une adaptation d'un texte de science-fiction, écrit collectivement lors d'ateliers participatifs à Aix-en-Provence, Berlin, Santiago et Courtrai, en performance dansée. Entre traitement littéral et figuré du scénario, gestes représentatifs et abstraction du mouvement dansé, le texte devient notre partition corporelle. Aux prises avec cette fiction autoritaire et décisionnaire, nous chercherons les possibles brèches où le récit peut encore s’inventer, se négocier, où tout n’est pas déjà écrit.

Eszter Salamon

Monument 0.9: REPLAY

Création / Uraufführung

19.-22.10.2021 : HAU, Hebbel am Ufer, Berlin (DE)

Représentations / Vorstellungen

26.-27.11.2021 : NEXT festival, Kunstencentrum BUDA, Kortrijk (BE)

02.-03.07.2022 : Festival Montpellier Danse, Hangar Théâtre (FR)

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MONUMENT 0.9 : REPLAY

REPLAY (pleasure and commitment) est une performance pour 5 danseuses. Elle revisite la pièce de groupe Reproduction que j’ai crée en 2004 à partir de mes réflexions sur les normes imposées au corps féminin. REPLAY va réinvestir les mêmes territoires avec le désir de créer de nouvelles connexions et articulations.
La performance interroge la manière dont la danse reproduit un système et des mécanismes de contrôle mais peut aussi modifier la perception des spectateurs à travers leurs regards et leurs propres corps. Le plaisir de bouger et de regarder le mouvement, comme le plaisir de défaire certaines limites imposées par les normes sociales sont au coeur de ce nouveau « Traité du plaisir ». Comme dans Reproduction, le travail soulignera le caractère érotique de l’acte de regarder et l’historicité de ce regard et de la perception du corps féminin en utilisant le Kama Sutra comme structure de la chorégraphie.

MONUMENT 0.9 : REPLAY

REPLAY (pleasure and commitment) ist eine Performance mit 5 Performerinnen, die meine frühere Arbeit Reproduction (2004) erneut aufgreift, mit dem Wunsch, 15 Jahre nach der Entstehung dieses Stücks neue Artikulationen und Aspekte zu schaffen. Das Vergnügen, sich bewegende Körper zu bewegen und zu beobachten, sowie die Verpflichtung die sozialen Normen des physischen Kontakts zu ändern, bilden den Kern dieses „Lustvertrags“.
Sowohl das Original als auch dieses neue Werk werden durch den erotischen Drang des Schauens unterstrichen und betonen das endlose Umschreiben von Körpern als Rohstoff für kulturell und sozial aufgebaute Organisationen. Die Arbeiten betrachten Körper als einen Raum der Materialität sowie der Fiktion, der Differenz und Vielfalt hervorbringen kann. REPLAY recycelt das choreografische Material von Reproduction, das auf den Positionen des Kamasutra basiert, und führt zu einer ständigen Verhandlung zwischen Macht und Vergnügen, Vergnügen und Wissen, Wissen und Technologie.

Guillaume Marie

SNOWCLOUD

Création / Uraufführung

01.-02.04.2022 : Festival À Corps, Théâtre Auditorium de Poitiers (FR)

Représentations / Vorstellungen

29.03.2022 : Houlocène, Bourges (FR)

23.03.2023 : Festival Artdanthé, Théâtre de Vanves (FR)

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SNOWCLOUD

Seit 2016 arbeiten der Choreograf Guillaume Marie, der Choreograf und Tänzer Roger Sala Reyner und der Dramatiker Igor Dobricic an einem choreografischen und performativen Projekt, in welchem sie das Thema Trost als solidarische, soziale und brüderliche Praxis (den anderen trösten) sowie als intime Handlung (sich selbst trösten) erforschen. Nach der Entstehung von ROGER im Jahr 2019 laden die Künstler nun Suet-Wan Tsang, Tänzerin und Therapeutin der Ilan-Lev-Methode, und den Berliner bildenden Künstler Marcel Weber/MFO ein, gemeinsam mit ihnen eine neue Allegorie zu imaginieren, dieses Mal eine Figur des Untröstlichen.
Die künstlerische Herausforderung besteht darin, sich neue Darstellungen von Trost in unserem zeitgenössischen Kontext vorzustellen und sich ein Phänomen, das oft religiösen Institutionen oder der konservativen Politik überlassen wird, wieder anzueignen, um es in künstlerischen, philosophischen und sozialen Sphären neu zu verankern. Und durch diese Geste zu versuchen, eine persönliche Antwort auf die Frage zu formulieren, die der Philosoph Michael Foessel unserer Gesellschaft stellt: Wie lassen sich die manifesten Auswirkungen des Leidens so kanalisieren, dass sie die Einheit der Gruppe nicht infrage stellen?
* In Le Temps De La Consolation, Michael Foessel

SNOWCLOUD

Depuis 2016, le chorégraphe Guillaume Marie, le chorégraphe et danseur Roger Sala Reyner et le dramaturge Igor Dobricic travaillent un projet chorégraphique et performatif dans lequel ils explorent le thème de la Consolation, cette pratique d’un usage autant solidaire, social et fraternel (consoler l’autre) qu’intime (se consoler soi-même). Après la création de ROGER en 2019, les artistes invitent Suet-Wan Tsang, danseuse et thérapeute de la méthode Ilan Lev et l’artiste visuel Berlinois Marcel Weber/MFO à se joindre à eux pour imaginer une nouvelle allégorie, cette fois-ci autour d'une figure de l’inconsolable.
L’enjeu artistique ici est d’imaginer de nouvelles représentations de la Consolation dans notre contexte contemporain. De se ré-approprier un phénomène trop souvent laissé aux institutions religieuses ou aux politiques conservatrices pour le réinvestir dans des sphères artistiques, philosophiques et sociales. Et par ce geste tenter de formuler une réponse personnelle à la question que le philosophe Michael Foessel pose à notre société : comment canaliser les effets manifestes de la souffrance pour éviter qu’ils ne remettent en cause l’unité du groupe ?
* In Le Temps De La Consolation, Michael Foessel

Mikaël Serre

Dialaw Project

Création / Uraufführung

19.05.2023 : Les Théâtres de la Ville de Luxembourg (LUX)

Représentations / Vorstellungen

23.05.2023 : Théâtre-Cinema, Choisy-le-Roi (FR)

30.-31.05.2023 : Le Carreau, Scène nationale, Forbach (FR)

07.-08.06.2023 : africologne, Köln (DE)

19.-23.12.2023 : Théâtre de la Ville, Paris (FR)

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Dialaw Project

DIALAW entspringt einem gesellschaftspolitischen Kontext, der von der Black Lives Matter-Bewegung, weltweiten Denkmalstürzen und der Hinterfragung kolonialer Erinnerung im individuellen und kollektiven Bewusstsein geprägt ist. Es ist eine Zusammenarbeit von Kunstschaffenden aus drei von der Kolonialgeschichte geprägten Ländern: Frankreich, Deutschland und dem Senegal. Ende 2020 unterzeichnete die senegalesische Regierung einen Vertrag mit Dubai Ports World über den Bau eines Tiefwasserhafens. Das Dorf Toubab Dialaw, in dem sich die Tanzschule École des Sables unserer Kollaborationspartnerin Germaine Acogny befindet, ist zum Untergang verurteilt. Es ist ein mächtiger geodramatischer Raum, auf den wir uns stützen, um dokumentarische und fiktionale Bruchstücke einer Erzählung zu einem epischen, tragischen Stoff zu verweben. Die Bedrohung durch das Bauprojekt entfaltet symbolische Sprengkraft und wirft über die verwobenen Lebenswege der Performer*innen geopolitische und soziale Fragen auf.

Dialaw Project

DIALAW trouve sa source dans un contexte socio-politique marqué par le mouvement Black Lives Matter, le déboulonnage des statues à travers le monde et le questionnement sur la place de la mémoire coloniale dans la psyché intime et collective. Ce projet s’incarne dans une collaboration artistique de créateurs issus de trois pays marqués par l’Histoire coloniale : la France, l’Allemagne et le Sénégal.
Fin 2020, le gouvernement sénégalais a signé un accord avec Dubaï Ports World. Toubab Dialaw, le village où se situe l’École des Sables de Germaine Acogny, avec qui nous allons travailler, et les communes autour sont condamnés à disparaître au profit d’un port en eau profonde. Cette construction cristallise les enjeux de mémoire et d’hybridation des identités. Toubab Dialaw est un espace géodramatique puissant que nous voulons explorer pour tisser une trame narrative composite, entre le documentaire et la fiction, et à partir des destins croisés des interprètes, élaborer une matière épique, tragique.

Nacera Belaza

L’Envol

Création / Uraufführung

28.-29.06.2022 : première française : Festival Montpellier Danse (FR)

05.07.2024 : première allemande : Theater Freiburg (DE)

Représentations / Vorstellungen

08.-10.12.2022 : Festival d’Automne à Paris, Bobigny (FR)

17.03.2023 : Festival Conversations, CNDC Angers (FR)

15.-16.09.2023 : Short Theater, Rome (IT)

18.-19.11.2023 : Chaillot, Théâtre National de la Danse, Paris (FR)

16.-17.12.2023 : Yokohama Dance Collection (JP)

21. + 23.02.2024 : Théâtre Vidy-Lausanne (CH)

05.07.2024 : Theater Freiburg (DE)

Webseite

l’envol

« Je porte en moi depuis plusieurs années l’image d’une danse qui s’écrirait en maintenant le corps en état de chute. Cette image était régulièrement présente lors de mes recherches précédentes ; j’étais fascinée par l’absence de résistance, par la liberté que la sensation de chute procure au corps et à l’esprit, par la possibilité d’abolir la peur en accueillant ce que l’on redoute le plus. Et puis j’ai découvert “L’homme qui tombe ” (The falling man), une photographie de Richard Drew. Pourquoi cette photo a-t-elle particulièrement marqué les esprits ? Que révèle-t-elle de violence sous-jacente ? C’est sans doute l’étrange et inattendu calme dans lequel cet homme sur le point de mourir semble avoir été saisi. Il ne résiste pas, ne se débat pas. Il semble ne plus craindre le choc imminent. Agissant ainsi, il fait s’entrechoquer notre peur de la mort et l’inutilité à lutter contre. Il accueille en quelque sorte l’inévitable, et cela bouleverse. Il aurait dû crier, tenter de freiner la chute. C’est, il me semble ce qui donne toute sa puissance, mais aussi toute sa violence à cette image : un précipité des courants contradictoires qui traversent l’être. C’est ce sentiment trouble qui me fascine et qui sera le point de départ de ma prochaine recherche ; la chute sur un plateau est soit redoutée soit simulée. Ayant moi-même vécu quelques chutes impressionnantes, je réalise qu’elles ont finalement été les plus grands moments de libération de mon parcours d’interprète, mais aussi d’être humain. »
Nacera Belaza

L’envol

„Seit einigen Jahren stelle ich mir einen Tanz vor, der sich durch einen immer stürzenden Körper abzeichnen würde. Diese Vorstellung tauchte in meinen vorherigen Experimenten regelmäßig auf; Mich faszinierte die Widerstandslosigkeit, das Freiheitsgefühl, das Körper und Geist beim Fallen genießen, sowie die Möglichkeit, die Angst zu überwinden, indem man das aufnimmt, was man am meisten fürchtet. Dann entdeckte ich "The Falling Man", eine Fotografie von Richard Drew. Warum hat dieses Foto einen solchen bleibenden Eindruck hinterlassen? Was verrät sie über die tiefer liegende Gewalt? Es liegt wahrscheinlich an der scheinbar seltsamen und unerwarteten Ruhe, in der dieser Mann, kurz vor seinem Tod, eingefangen wurde. Weder wehrt er sich, noch kämpft er. Er scheint den drohenden Aufschlag nicht mehr zu fürchten. Dabei lässt er unsere Angst vor dem Tod mit der Sinnlosigkeit des Widerstands kollidieren. Er fügt sich in das Unvermeidliche, sozusagen, und es ist erschütternd. Er hätte schreien müssen, er hätte versuchen müssen, seinen Sturz zu verhindern. Es scheint mir, dass es genau das ist, was diesem Bild seine Kraft, aber auch seine Gewalt verleiht: ein Niederschlag der widersprüchlichen Strömungen, die das Sein durchziehen. Dieses gemischte Gefühl fasziniert mich. Es dient als Ausgangspunkt meiner nächsten Recherche; Ein Fall auf der Bühne wird gefürchtet oder simuliert. Ich selbst habe einige spektakuläre Stürze erlebt. Mir wurde bewusst, dass diese Augenblicke letztendlich Höhepunkte in meinem Befreiungs-prozess als Künstlerin sowie als Mensch waren.“ Nacera Belaza

Pol Pi & Kaleidoskop Solistenensemble

in your head

Création / Uraufführung

23.-24.06.2022 : Festival Montpellier Danse (FR)

Représentatioins / Vorstellungen

12.11.2022 : NEXT Festival, BUDA Kunstencentrum, Kortrijk (BE)

24.-26.02.2023 : Radialsystem, Berlin (DE)

16.03.2023 : CNDC, Angers (FR)

24.06.2023 : Festival Latitudes Contemporaines, Lille (FR)

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In your head

Pol Pi :
Der Ausgangspunkt des Projekts ist Dimitri Schostakowitschs Quartett Nr. 8, das 1960 "als Hommage an die Opfer des Faschismus und des Krieges" geschrieben wurde. Das Projekt wird sich auf diesen Kontext konzentrieren, indem Familienerinnerungen der Musikerinnen im Zusammenhang mit dem Thema Krieg und als Arbeitsthema dienen. Die Performerinnen sind 4 Musikerinnen des Kaleidoskop Solistenensemble, das seit einigen Jahren einen körperzentrierten Ansatz im Musikbereich vertritt.

Boram Lie:
Die Begegnung mit Pol Pi, der sich aufgrund seiner musikalischen Ausbildung als Bratschist in der Musik ebenso wohl fühlt wie im Tanz, ist eine Gelegenheit, sich einem kammer-musikalischen Werk ohne Instrumente zu nähern. Für uns ist dies eine logische Fortsetzung unserer Arbeit. Unsere Recherche, wird sich auf die körperlichen Empfindungen während der instrumentalen Interpretation und auf akribische Weise während der gesamten Partitur konzentrieren: ein "unbewusster Tanz", der bereits in jedem Konzert vorhanden ist und dazu bestimmt ist, sich über unsere "musikalischen Körpern" bewusst zu werden und diesen sogar zu verstärken.

In your head

Pol Pi :
Le point de départ de cette création est le quatuor no.8 de Dimitri Shostakovich, écrit en 1960 "en hommage aux victimes du fascisme et de la guerre". Le projet portera sur ce contexte d’écriture dans le sens de prendre les mémoires familiales liées à la guerre et le rapport des interprètes à ce sujet comme matières de travail. Les interprètes sont 4 musiciennes de l’ensemble Kaleidoskop, habituées à la performance depuis quelques années.

Boram Lie :
La rencontre avec Pol Pi, aussi à l’aise en musique qu’en danse de par sa formation musicale d’altiste, est une occasion d’aborder une oeuvre de musique de chambre entièrement sans instruments. Cela est une suite logique à notre approche centrée sur le corps. La recherche sera centrée sur les sensations physiques lors de l’interprétation instrumentale et d’une façon minutieuse tout au long de la partition : une « danse inconsciente » déjà présente dans chaque concert, vouée à être conscientisée et amplifiée par nos « corps musicaux ».

Rafi Martin & Julika Mayer

resoniancias

Création / Uraufführung

03.-05.02.2023 : IMAGINALE Festival Stuttgart (DE)

06.-07.10.2023 : performance participative: Campement scientifique Vélo Théâtre, Apt (FR)

Représentations / Vorstellungen

08.-11.11.2023 : atelier: Vélo Théâtre, Apt (FR)

07.12.2023 : Tas de Sable, Centre National de la Marionnette, Amiens (FR)

04.05.2024 : 6 TAGE FREI / 10 Tage FREISCHWIMMEN Festival, Theater Rampe, Stuttgart (DE)

14.07.2024 : Festival Horizone, Les ateliers du milieux, Haute Marne (FR)

22.09.2024 : Festival de rue, Amiens (FR)

04.10.2024 : Fête de la science, Université de Strasbourg SUAC (FR)

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Resonancias

“Trouver une météorite, c'est entrer en résonance” disait la géologue chilienne Millarca Valenzuela dans une exposition en 2018 consacrée à une importante collection de météorites.
A partir une résidence d'un mois au Chili dans le désert d'Atacama, le projet de création Astroblème veut prolonger une rencontre avec la matière géologique qu'offre le désert. En voulant faire dialoguer territoires, arts et sciences, nous cherchons à habiter nos pratiques d’anthropologues-marionnettistes. C’est un pari : celui d'observer, d'écouter, de créer des entrées en contact avec des personnes qui sont en contact. Pour rentrer en résonance. Chercher à se présenter à ces matières géologiques, à se laisser toucher par l’immensité du temps et de l’espace qui résonne dans cette matière. Le spectacle Astroblème va être un autre pari, celui de retracer ces expériences sur scène, les retracer et permettre à un public d’en faire l’expérience.
Avec le vivant et le non-vivant et ce qui respire entre. Celui de se mêler à créer des “nouvelles alliances”.

Resonancias

"Einen Meteoriten zu finden, bedeutet, in Resonanz zu gehen", sagte die chilenische Geologin Millarca Valenzuela 2018 in einer Ausstellung, die einer bedeutenden Meteoritensammlung gewidmet war. Ausgehend von einem einmonatigen Aufenthalt in der chilenischen Atacama-Wüste möchte das Kreationsprojekt Astroblem die Begegnung mit dem geologischen Material, das die Wüste bietet, erweitern. Indem wir einen Dialog zwischen Territorien, Künsten und Wissenschaften schaffen wollen, versuchen wir unsere Praktiken als Anthropologen-Puppenspieler zu leben. Es ist eine Herausforderung: zu beobachten, zuzuhören, Kontakt mit Menschen herzustellen, die in Kontakt sind. Um in Resonanz zu treten. Zu versuchen, sich in diese geologischen Materialien hineinzuversetzen, sich berühren zu lassen von der Unermesslichkeit von Zeit und Raum, die in diesen Materialien mitschwingt. Die Stückentwicklung von Astroblem wird eine Herausforderung sein, nämlich die, diese Erfahrungen auf der Bühne nachzuzeichnen, nachzuspüren und für ein Publikum erfahrbar zu machen. Mit dem Lebendigen und dem Unlebendigen und dem dazwischen. Um sich zu vermischen und "neue Allianzen" zu erschaffen.

Zora Snake & Clay Apenouvon

Les masques tombent

Création / Uraufführung

16.01.2021 : Institut français Togo (TG)

Représentations / Vorstellungen

27.08.2021 : Theater Aufbau Kreuzberg / TAK Theater, Berlin (DE)

27.11.2021 : Festival Modaperf, Institut Français Cameroun, Yaoundé (CMR)

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Les masques tombent

Zora Snake, performeur et chorégraphe, rencontre le plasticien Clay Apenouvon à Paris puis au Togo. Ensemble, ils créent une oeuvre plastique et performative au sujet du retour des biens patrimoniauxen Afrique de novembre 2020 à début janvier 2021. Aujourd’hui, ils souhaitent se retrouver pour la création d’un spectacle.
Sur cette même thématique, un danseur et un musicien viendront intéragir avec la scénographie. Leurs évocations utiliseront l’improvisation mais aussi l’écriture musicale et chorégraphique. La création de fantômes inspirés d’objets traditionnels et sacrés construira la scénographie. Les fantômes peuvent raconter leurs propres histoires aux vivants, aux croyants, pour changer les récits du présent et révéler un nouvel imaginaire pour le futur. L’invention d’une nouvelle réalité est l’un des rôles de l’art, avant même les retours en Afrique de ces patrimoines toujours emprisonnés dans les vitrines en Occident, leurs fantômes sont imaginés comme des éclaireurs qui reviennent au contact du sol d’origine, en essayant de se réconcilier avec les esprits du présent.

Les masques tombent

Zora Snake, Performer und Choreograf, traf den bildenden Künstler Clay Apenouvon in Paris und später in Togo. Gemeinsam schufen sie von November 2020 bis Anfang Januar 2021 eine plastische und performative Arbeit über die Rückgabe von Kulturgütern in Afrika. Heute wollen sie sich wieder treffen, um eine Show zu kreieren. Zu diesem Thema werden ein Tänzer und ein Musiker mit dem Bühnenbild interagieren. Ihre künstlerischen Methoden werden Improvisation, aber auch musikalisches und choreographisches Schreiben sein.
Auf der plastisch-szenographischen Seite besteht die Idee, Geister zu erschaffen, die von traditionellen und sakralen Objekten inspiriert sind. Die Geister können den Lebenden und Gläubigen ihre eigenen Geschichten erzählen, um die Narrative der Gegenwart zu verändern und eine neue Imagination für die Zukunft zu offenbaren. Die Erfindung einer neuen Realität ist eine der Aufgaben der Kunst, noch vor der Rückkehr dieser Erbschaften nach Afrika, die noch in den Vitrinen des Westens gefangen sind, werden ihre Geister als Kundschafter imaginiert, die auf den Boden des Ursprungs zurückkehren und versuchen, sich mit den Geistern der Gegenwart zu versöhnen.