Création / Uraufführung

21. - 24.11.2018 - HAU Hebbel am Ufer / Berlin (DE)

12.2019 - Théâtre de la Ville, Paris (FR)

„stellar fauna"

“Stellar Fauna“ ist die neue Arbeit der Choreographin Kat Válastur im Rahme der Trilogie “The Staggered Dances of Beauty“. Gegliedert in zwei Teile, eine Video-Installation und eine Performance, baut “Stellar Fauna” auf Ideen auf, die von der Choreografin und Performerin für die vergangene Arbeit entwickelt wurden. Die zwei Tänzerinnen verkörpern sich nach und nach verändernde und übertrieben digitale Attribute. Sie stellen eine Art zeitgenössisches mythologisches Wesen dar und wiederholen ein furchterregendes Mantra: “We are waiting for the floods to break free although that would be the end of us” (Wir warten auf das Einsetzen der Flut, auch wenn das unser Ende wäre). In einer Umgebung, die ein ungezähmtes Ökosystem suggeriert, werden die Grenzen zwischen ihrem privaten und sozialen Verhalten aufgehoben. “Stellar Fauna” ist die Schöpfung einer unheimlichen Welt, die von unserer Welt erschaffen wurde. Ein Diskurs über Körper in der Wildnis unserer Zeit.

„stellar fauna"

"Stellar Fauna" est la nouvelle œuvre de la chorégraphe Kat Válastur dans le cadre de sa trilogie "The Staggered Dances of Beauty". Divisé en deux parties, une installation vidéo et une performance, "Stellar Fauna" s'appuie sur les idées développées par la chorégraphe dans son travail passé. Deux danseurs incarnent progressivement des attributs numériques changeants et exagérés. Ils représentent une sorte d'être mythologique contemporain et répètent un mantra terrifiant : “We are waiting for the floods to break free although that would be the end of us” ("Nous attendons que les flots se libèrent, bien que ce soit la fin pour nous"). Dans un environnement qui suggère un écosystème sauvage, les frontières entre leur comportement privé et social sont brisées. "Stellar Fauna” est la création d'un monde étrange, créé par notre monde. Un discours sur les corps dans le monde sauvage qu’est notre temps.

"The Waves"

[…]  In  diesem  neuen  Projekt  möchte  ich  die  vielschichtigen  Methoden,  wie  sich  zwei Bewegungen  aufeinander  beziehen  können,  zusammenführen  und  ausbauen  :  Symbol,  räumliche Struktur, Skizze, Anfang, Kommentar oder physische Übereinstimmung … Dieser  Ansatz  bezieht  sich  auch  auf  die  Frage  des  Erinnerns.  Gesten,  die  eine  Bewegung andeuten, die nicht vollends ausgeführt wird, scheinen eine große Aussagekraft zu besitzen. Eine Bewegung  oder  Haltung kann  mit komplexen,  physischen, aber  auch psychologischen Empfindungen  assoziiert  werden.  Bestimmte  Bewegungen  -  ein  verstohlener  Blick,  ein plötzlicher Richtungswechsel, einen Schwung abzubrechen oder im Gleichgewicht zu bleiben - können frühere Erfahrungen des Betrachters in Erinnerung rufen. Es geht dabei nicht darum, eine  Bewegung  auszuführen,  die  explizit  an  dieses  oder  jenes  Ereignis  erinnert,  sondern Gesten zu konstruieren, die im Stande sind, unser eigenes Körpergedächtnis mit all seinen physischen und psychologischen Verzweigungen zu aktivieren. Durch ihre Unvollständigkeit und  ihre  Verbindung  zu  etwas  Abwesendem,  können  Gesten  vergangene  Erfahrungen projizieren und die physische Geschichte des Betrachters in Bewegung setzen. […]

"THE WAVES (LEs Vagues)"

[…] J’aimerais dans ce nouveau projet réunir et prolonger ces multiples modes de référence au    mouvement :    symbole,    structure    spatiale,    esquisse,    amorce,    commentaire  ou correspondance physique entre deux mouvements. Cette approche est aussi liée à la question de  la  mémoire.  Les  gestes  qui  suggèrent  un  mouvement  sans  l’accomplir  pleinement  me semblent posséder une grande force évocatrice. Des impressions complexes, physiques, mais aussi  psychologiques,  peuvent  être  associées  à  une  posture  ou  à  un  mouvement.  En s’appuyant sur cette mémoire diffuse liée à des attitudes motrices, certains mouvements - un regard furtif, un brusque changement de direction, l’effort pour rediriger un élan ou pour rester en équilibre — peuvent entrer en résonnance avec des expériences antérieures chez le spectateur.  Il  ne  s’agit  pas  de  faire  un  mouvement  qui  rappelle  explicitement  tel  ou  tel événement, mais de construire des gestes qui par leurs aspérités sont à même d’activer notre mémoire corporelle avec toutes ses ramifications physiques et psychologiques. C’est par leur caractère incomplet, par le fait qu’ils sont toujours en relation avec quelque chose d’absent, que ces gestes peuvent devenir un support où se projettent ces expériences passées et mettre en mouvement l’histoire physique du spectateur. […]

"story water"

Story Water verbindet zwei einzigartige Künstlergruppen: das Ensemble Modern und Emanuel Gat Dance. Beide teilen eine bestimmte Ansicht des künstlerischen und modernen Schaffens. Diese Zusammenarbeit entspringt einem Dialog zwischen Künstlern, Kunstschaffenden und Performern, die, obwohl sie in unterschiedlichen Sprachräumen und auf verschiedenen Gebieten arbeiten, eine gemeinsame künstlerische Philosophie der Entwicklung eines kreativeren, offeneren Umfeldes teilen.

Das Programm besteht aus drei  Werken (von Emanuel Gat/Ensemble Modern, Rebecca Saunders, Pierre Boulez), die alle mit derselben Absicht verfasst wurden, nämlich die Musik und die Choreographie als zwei gesonderte Einheiten zu behandeln, die nicht etwa dafür geschaffen sind, sich gegenseitig zu illustrieren, sondern sich auf einen Dialog in Echtzeit einzulassen.

Im Mittelpunkt des Programms steht die Frage, wie man die Koexistenz zwischen dem, was man sieht, und dem, was man hört, wahrnimmt und behandelt.

"story water"

Story Water associe deux troupes artistiques uniques, l'Ensemble Modern de Francfort et Emanuel Gat Dance, qui partagent une vision originale de la création et de la production artistique contemporaine. Cette collaboration est le fruit d'un dialogue entre artistes, créateurs et performeurs qui, bien que travaillant dans des langages et domaines différents, partagent une philosophie artistique commune autour du développement d'environnements créatifs ouverts et plus horizontaux.

Le programme est composé de trois partitions distinctes (Emanuel Gat et l’Ensemble Modern, Rebecca Saunders, Pierre Boulez), toutes construites dans la même perspective de traiter la musique et la chorégraphie comme deux entités séparées, non pas destinées à s'illustrer l'une l'autre, mais plutôt à s'engager dans un dialogue en temps réel.

La question de comment nous percevons et traitons la coexistence de ce que nous VOYONS et de ce que nous ENTENDONS est au cœur de ce programme.

"störlaut"

Störlaut- ein untergründiges Geräusch, ein Widerstand in der Sinnproduktion, der den harmonischen Ablauf von Ordnungsapparaturen untergräbt.

Störlaut ist eine stimmtänzerische Performance, die sich dieser Unstimmigkeit widmet. Jule Flierl arbeitet an einer futuristisch-spekulativen Neu-Interpretation der Ton-Tänze Valeska Gerts, einer Berliner Grotesk-Tänzerin der 1920er Jahre. Valeska Gert erklärte sich selbst zur ersten Stimmtänzerin der Welt. Ihre Stimmtänze markieren den Übergang vom Stummtanz zum Stimmtanz in der westlichen Tanzgeschichte. Was hat sich durch den Einsatz von Stimme in der Repräsentation und Wahrnehmung von Tänzerkörpern gewandelt?

Die Solo Performance teilt sich den begehbaren Raum mit dem Publikum, das Teil einer Landschaft der Dissonanzen wird. Die Solo Tänze werden gegen den Ausdruck eines authentischen Selbst getanzt, der holistische Körper zersplittert, der Körper der Zukunft macht analog keinen Sinn und bewegt sich in viele Richtungen gleichzeitig. Körperbild und Körperklang werden durch eine Methodik der Dissoziation voneinander losgelöst.

"störlaut"

STÖRLAUT est une performance de danse vocale qui s’engage dans la discordance par l’interprétation nouvelle, futuriste et spéculative des danses sonores de Valeska Gert. Dans Berlin des années 1920, Valeska Gert, danseuse du grotesque, se présente comme la première danseuse vocale du monde. L’utilisation historiquement révolutionnaire de la voix dans une tradition de danse occidentale inscrit un changement radical dans la représentation et la perception du corps dansant. Valeska Gert méprisait la simple reproduction de savoirs tel que pratiqué par ses contemporains. Comment alors s'armer de ses danses historiques sur les champs de batailles discursives d'aujourd'hui? Le climat actuel de propagande politique, de post-verité et de faits alternatifs, rend l’acte de mettre en voix tel que pratiqué et appréhendé par Gert d’autant plus pertinent.

"Solace"

Trost, Schutz, Halt, das sind die gegenwärtig wichtigen Themen, die in «Solace» angesprochen werden, erzählt in einer einzigartigen Beziehung zwischen einem Kind und merkwürdigen, rätselhaften Figuren. Unterschiedliche Zeitebenen treffen in separaten Räume aufeinander, Reminiszenzen und Flash-backs einer vergessenen Vergangenheit flackern auf, Bilder entstehen, verknüpft allein durch die Erinnerung.

Geprägt von einer originären, bildkünstlerischen Theatersprache, bringt die Darstellerin und Szenografin Uta Gebert einen zeitgenössischen Stil in eine Kunst ein, deren Verständnis noch immer von Tradition geprägt ist. Sie nutzt die Bühne als Raum für szenische Versuche und künstlerische Recherchen, ihre Kreativität wird inspiriert von einem hohen Maß an Intuition, schöpferischer Neugier und produktiver Spontanität.

Allein in dem Aufeinandertreffen einer Tänzerin und einer Puppe thematisiert sie das Anderssein, das Bedürfnis nach Trost. Und in dem wortlosen, gestischen Dialog zwischen dem Lebendigen und dem Objekt schwingt auch immer die Frage nach dem Verhältnis eines jeden von uns zu seiner eigenen Einsamkeit, seinem Alleinsein mit.

"Solace"

Dans "Solace", le réconfort, la consolation sont les thèmes hautement d’actualité abordés au travers d’une singulière relation entre un enfant et d’énigmatiques personnages. Différentes temporalités s’entrecroisent dans deux espaces scéniques distincts où réminiscences et flashback d’un passé oublié surgissent et reprennent vie en une juxtaposition d’images.

Singularisée par une approche plastique de son travail scénique, l’interprète et scénographe Uta Gebert apporte une touche résolument contemporaine à un art chargé de tradition. Elle fait de la scène un espace d’expérimentations et de recherches portées par l’intuition et la spontanéité du travail de plateau.

En abordant ici le besoin de l’autre et de réconfort à travers la rencontre d’une danseuse et d’une marionnette, elle parvient, par ce langage sans parole entre le vivant et l’objet, à questionner avec sensibilité le rapport à nos propres solitudes.

"UNWANTED"

Zerstört von dieser Gräueltat, wurden manche Frauen schwanger von ihren Peinigern      Unerwünschte Kinder wurden geboren, eine lebendige Erinnerung an die Untaten die ihre Mütter überlebten. Kinder, die von ihre Mütter, Familie und Gesellschaft verstoßen werden.

Unwanted

Wie kann man nach sowas tanzen? Wie kann man jetzt tanzen? Wie singen?                                                      

Wie sprechen?

Ich möchte über den Opfern der Kriegswaffe Vergewaltigung sprechen, über die Frauen, die täglich von Männern und von einigen Frauen vergewaltigt und geschlagen wurden, um sie somit zu dominieren, zu foltern, vom Leben zu entfremden, aus dem Land raus zu drängen, um sie zu terrorisieren, um sie zu töten und exterminieren -  auch/ sogar ihr Blut wird mit AIDS infiziert. Viele dieser Frauen leben heutzutage in Krisengebiete, wo diese Kriegswaffe immer noch auf und gegen sie gerichtet ist, und dort wo die Schuldigen weiterhin straflos und frei leben. Andere leben mit dieser Last weiter, mit den offenen Wunde die der Krieg hinterlassen hat, auch nach Jahren, ihre Körper bleiben zerstört, ehemalige Schlachtfelder des Kriegs.

Ich möchte über die Kinder der Opfer und Peiniger sprechen. Kinder, die die Schuld ihre Väter mit sich tragen müssen. Kinder, die beschuldigt werden am Leben zu sein. Kinder die kämpfen um zu überleben.

Ich habe sie getroffen. Immer die gleiche Frage: Habt ihr euch selbst akzeptiert?

Schweigen ist für viele die Antwort; was sagen – und an wen? Warum sollte man sich um sie kümmern?

Manche haben mir ihre Schmerzen anvertraut: die Abwesenheit des Vaters, die Kindheit geprägt von Hass und Gewalt, aber manchmal auch Liebe, Tanz und Musik.

Wie kann man sich selbst akzeptieren wenn der eigene Vater die Familie der Mutter getötet hat? Wie kann man sich aufbauen wenn es keine Grundlage, keine Familie mehr gibt?

Diese geplagten Frauen und Kinder sind immer noch am Leben, trotz alle Schwierigkeiten die das ursprüngliche Verbrechen mit sich brachte, sie stehen noch, wie Bäume. Sie versuchen immer weiter, ihre Äste zum Himmel hinauf und ihre Wurzeln tief im Boden zu pflanzen.

Ich sehe ein schlichtes Gewand. Mit einem einfachen Design und einem edlen Stoff, robust und reißfest.

Ich sehe ein Gewand das von Frau zu Frau weitergegeben wird, ein Erbe, eine Geschichte die Mütter ihren Töchtern erzählen, damit niemand vergessen wird, weder die Frauen die es schon getragen haben, noch die die es bekommen haben.

Portland, 15 September 2016

Dorothée Munyaneza

"UNWANTED"

Anéanties par le crime atroce certaines se sont retrouvées enceintes de leurs bourreaux.          
Des enfants non-voulus naquirent rappelant à leurs mères le crime qui les abattit. Des enfants reniés par leurs mères, leurs familles, la société

Unwanted

Comment danser après ?                                     Comment danser à présent ?                            Comment chanter ?                                         Comment parler ?

Je veux parler d’elles, qui ont vécu le viol comme arme de destruction massive, de ces femmes qui ont été violées et violentées quotidiennement par des hommes et les quelques femmes assoiffés de sexe et de pouvoir dans le but de les dominer, les expulser, les écarter de la vie, les torturer, les terroriser, les tuer, les exterminer – les envahir à jamais en leur contaminant le sang par le virus du sida.
Beaucoup de ces femmes, encore aujourd’hui, vivent dans des zones de conflit où cette arme est constamment braquée sur elles, et où les exécuteurs continuent de vivre impunis, d’autres vivent avec les séquelles de cette guerre qui persistent même les années passées, leurs corps étaient tels des champs de bataille.
Je veux parler d’eux, enfants de bourreaux et de victimes. Des enfants souvent visés pour le crime de leurs pères. Des enfants visés car leurs mères ont décidé de les laisser vivre. Des enfants qui se battent pour continuer à vivre.

Je les ai rencontrés. Toujours la même question : vous êtes-vous acceptés ?
Beaucoup préfèrent le silence – que dire, à qui, pourquoi diable se soucier d’elles ? Pourquoi diable se soucier d’eux ?

Certaines, dans la confiance partagent leur intimité bafouée; sans amour propre, comment aimer autrui, même s’il s’agit de la chair de sa chair ?
Certains m’ont confié leurs douleurs, l’absence du père, l’enfance pleine de violence et de haine, et parfois de l’amour, de la danse et de la musique.
Comment s’accepter quand le père a exterminé la famille de la mère ? Comment se construire à présent quand des deux côtés il n’y a plus de fondation, plus de famille ?
Ces femmes et ces enfants tourmentés qui sont encore vivants et qui malgré les épreuves qui suivirent et suivent encore le crime qui les a abattus, tiennent encore debout, tels des arbres, ils cherchent tant bien que mal à déployer leurs racines et leurs branches.
Je vois un habit sobre, épuré, dans une matière noble, fluide, robuste et résistant.
Je vois cet habit qui pourrait être passé de femme en femme, comme un héritage, une histoire qui se raconte de mère en fille, afin que celle qui l’a porté et celle qui l’a reçu ne soit pas oubliées.

Portland, 15 septembre 2016
Dorothée Munyaneza

"Phoenix"

Die Choregraphie füllt den vollen Raum der Bühne aus. Phoenix vereint 4 Tänzer und schwebende unheimliche Avatars: die Dronen. Sie erinnern an ferngesteuerte Flugzeuge aus der Kindheit, als auch an todbringende Kriegsmaschinen.

Die Choregraphie vereint „modernen Tanz“ mit „Dabkeh“ (arabischer traditionneller Tanz) und hinterfragt die Beziehung zwischen Körper-Drone und das Szenenpotential der letzteren, um die Esthetik, der gefühlslosen und traumatischen Bilder, die sie erfassen, umzuwandeln.

Diese panoptische Betrachtungsart wird auf den Bühnenboden projiziert.  Die Tänzer zerstören diese Bilder, in dem sie das Bild der anderen Tänzer mit ihrem eigenen Körper und im eigenen Raum darstellen. Am Ende geht der Bildschirm wie ein Fenster, das ich der Welt öffnet, auf. Die Webcam einer Outdoor-Drone zeigt live Bilder von Flüchtlingen aus dem Flüchtlingscamp im Libanon. Diese rufen uns an, übermittel uns ihre Gesänge und Tänze.

Unser Phoenix ist kollektiv!

"Phoenix"

Chorégraphie spatiale explorant le volume de la scène, Phoenix rassemble quatre danseurs et des avatars aériens à la présence trouble : des drones robotiques, qui évoquent aussi bien les avions téléguidés de notre enfance que les machines meurtrières de nos guerres actuelles.

La chorégraphie, métissant danse contemporaine et Dabkeh (une danse traditionnelle arabe) interroge la relation corps-drone et le potentiel scénique des drones pour détourner l’esthétique désincarnée et traumatique des images qu’ils capturent, point de vue panoptique reprojeté au plateau.

Les danseurs interviennent alors pour les déconstruire, réincarnant dans leurs propres corps et traduisant dans leur propre espace l’image de la danse des autres. Puis l’écran s’ouvre telle une fenêtre sur le monde : la webcam d’un drone hors-champ donne à voir, en temps réel, les habitants d’un camp de réfugiés au Liban, qui nous parlent, nous transmettent leurs chants et leurs danses.

Notre Phoenix sera collectif.

"Underneath"

In soziopolitisch und wirtschaftlich instabilen Zeiten haben wir zunehmend das Gefühl, als würde uns der Boden unter den Füßen weggezogen. In "Underneath" untersucht die Choreographin Aline Landreau dieses Gefühl, in dem sie die unterschiedlichen Bedeutungen von Fundament und (Unter-)Grund hinterfragt.

Welche Strukturen tragen uns, konkret und metaphorisch? Aus welchen Bereichen entspringt der Wunsch, Bewegung und Stimme zu setzen, bis Geste und Sprache in dem vorübergehenden gemeinsamen Raum, der durch das Stück eröffnet wird, auf-/erscheinen?

"Underneath" ist eine Arbeit, in der zwei Tänzer ihren Zustand zwischen Vertikale, Horizontale und (Un-)Gleichgewicht verhandeln. Gemeinsam mit den Zuschauern sind sie hineinversetzt in eine vibrierende Klanglandschaft und ein sich stets veränderndes Licht - in einen Raum, der sich immer wieder verwandelt und in dem wir unserem Wunsch nach einem gemeinsamen und stabilen Grund begegnen.

"Underneath"

En écho aux temps d’instabilité socio-politique et économique dans lesquels nous vivons, et à la sensation récurrente d’un sol vacillant sous nos pieds, la pièce "Underneath" créée par la chorégraphe Aline Landreau explore la sensation de perte de sol et la façon dont on peut se le réapproprier, par une attention portée aux différentes notions de fondation et de (sous)terrain.

Quelles structures nous portent donc, tant sur le plan concret que métaphorique? De quelles zones émerge le désir de poser mouvement et voix – jusqu’au geste et à la parole – dans l’espace commun et temporaire de cette pièce?

L’imbrication constante des corps dansants – négociant entre verticale et horizontale, entre élan et affaissement, entre lutte et alliance – avec le paysage sonore vibrant et le réseau lumineux en modulation, révèlent notre recherche d’un sol commun et stable, d’un ancrage.

"Talos"

Was bewegt dich? Was bewegt eine Grenze? Was begrenzt Bewegung? Der israelische Choreograf Arkadi Zaides ist international vor allem durch sein Stück ARCHIVE bekannt, in dem er alltägliche gewaltsame Taten israelischer Siedler verkörpert, die auf Kameras von Palästinensern in der Westbank aufgenommen wurden. Zaides neue Arbeit entsteht in Reaktion auf "TALOS", ein EU-gefördertes Projekt, in dem ein neues Grenzschutzsystem mit Robotern entwickelt wurde. Indem der Roboter nicht nur an Grenzen patrouillieren, sondern sie auch durch seine Bewegung neu etablieren kann, spekuliert das Projekt auf die Zukunft von Grenzen und ihre Transformation. Zusammen mit seinem Team entwickelt Zaides eine Konferenz, die sich mit künstlerischen Strategien auf das TALOS-Projekt bezieht.

Expert*innen aus Feldern der politischen Philosophie, Anthropologie, Migrationsforschung und Geographie sind eingeladen, um in verschiedenen Formaten Bewegung an und von Grenzen zu befragen.

"Talos"

Quelle chorégraphie peut émerger à proximité des frontières ? Quelles stratégies restrictives y
influencent le mouvement ? Dans cette nouvelle réflexion, Arkadi Zaides se penche sur un système dynamique d’action et de réaction, de limitation et de transgression, de stase et de mobilité. Ce projet a été imaginé en réaction à "TALOS", une initiative de financement européen qui a permis la conception d’un système avancé de protection des frontières terrestres européennes. "TALOS" était un projet collaboratif mené officiellement par dix pays entre 2008 et 2012. Ce projet a permis l’élaboration d’un système de surveillance qui peut être déployé en quelques heures à n’importe quel endroit. Le système consistait en une patrouille de robots mobiles et semi-autonomes qui parcourent les zones frontalières, offrant par leur simple présence une véritable performance.

Dans le cadre du projet "TALOS", Arkadi Zaides a rassemblé une équipe de chorégraphes, de
dramaturges, de vidéastes et de spécialistes de la robotique. Cette équipe développe depuis 2016 un modèle de conférence en réponse au projet européen initial.

"The Eternal Return"

Dem Kreislauf des Lebens, der ewigen Wiederkehr im Alltag begegnet der in Berlin lebende Choreograf Clément Layes mit den Mitteln des Tanzes. Seine neue Performance "The Eternal Return" führt 15 Darsteller in einem kleinen Raum, einem Wohnzimmer gleich, auf der Bühne der Sophiensaele zusammen. Jeder von ihnen vollzieht eine fast alltägliche Bewegungssequenz. Beginnend mit nur einem Darsteller, gesellt sich mit jeder Wiederholungsschleife eine weitere figur hinzu. Mit jedem Schritt fügen sich die einzelnen Handlungen zu einem neuen ganzen Zusammen- lassen Bezüge erkennen und erzählen in ihrem Zusammenspiel immer wieder neue Geschichten. Auf der Bühne entsteht ein humorvolles und zugleich ernsthaftes Kaleidoskop des Alltags, das der Wiederkehr fortlaufend etwas Neues abgewinnt. "The Eternal Return" ist der Auftakt einer neuen Werkreihe von Public in Private/ Clément Layes, die sich formal wie inhaltlich mit Aspekten des Rythmus beschäftigt.

"The Eternal Return"

S´armant des outils de la danse, le choréographe berlinois Clément Layes fait face aux cycles de la vie et à l´éternelle récurrence. son nouveau spectacle "The Eternal Return" mettra en scène 15 performeurs dans une petite chambre construite sur la scène de Sophiensaele. La choréographie, basée sur la répétition de courtes séquences de mouvements quotidiens, se juxtapose à l´accumulation graduelle des performeurs, qui répétition après répétition se trouvent de 1 à 15, assemblés dans cet espace réduit. Formant ainsi une multitude de liens inattendus à mesure que croît leur nombre. À chaque répétition les actions invidividuelles se conjuguent pour former un nouvel ensemble, mosaique mouvante ouvrant un espace à des références et des narratives nouvelles. Un kaléidoscope de la vie quotidienne, humoristique et néanmoins sérieux, se développe sur scène, gagnant quelque chose à chaque réitération. "The Eternal Return" est la première d´une série de performances par Public in Private/ Clément Layes qui interrogera le rythme dans sa forme et son contenu.

"MONUMENT 0.5 : THE VALESKA GERT MONUMENT"

Bei MONUMENT 0.5: The Valeska Gert Monument ist eine künstlerische Korrespondenz mit Valeska Gerts Leben und Arbeit. In dieser performativen Fiktion spricht eine Künstlerin eine andere Künstlerin über eine Distanz von beinahe 100 Jahren hinweg an. Bekräftigt durch das Begehren sich in Bezug zu setzen, erfindet Das Valeska Gerts Monument als kritische Geste eine Historizität und Genealogie abseits einer kanonischen Geschichte.

Das Werk von Valeska Gert bleibt einzigartig und bedeutungsvoll und sie bleibt eine Persönlichkeit des künstlerischen Widerstandes. Sie war eine Avantgarde Persönlichkeit die dem modernen Tanz schon zu dessen Anfang den Rücken zukehrte. Durch die Kombination von Theater, Tanz, Kino, Poesie und Gesang hatte sie in den frühen 1920gern eine experimentelle Performancepraxis entwickelt, eine Mischung expressiver Künste ganz ähnlich der Cabaret Szene Berlins zur selben Zeit. Anders als andere berühmte Künstler Persönlichkeiten die zur Zeit Nazi Deutschlands künstlerische Hegemonie anstrebten, kreierte sie durch das experimentieren mit Gender, Rasse, Nationalidentität und unterschiedlichen Ästhetiken eine radikale Performancekunst.

Trotz ihrer künstlerischen Furchtlosigkeit und der provokativen und anarchischen Performance Intensität, wurde die Bedeutung Valeska Gerts Rolle in der Kunst-, Tanz- und Performancegeschichte lange Zeit vernachlässigt.

Mit ihrer Liebe für das Burleske und Groteske, ihre Vorliebe für das Marginalisierte und die Kreation neuer Körperrepräsentationen außerhalb bürgerlicher Ästhetiken, war sie eine der größten Künstlerinnen ihrer Zeit, ohne deren radikal experimentelle Bestrebungen eine ganze Reihe künstlerischer Produktionen des 20sten Jahrhunderts nicht existieren würden.

"MONUMENT 0.5 : THE VALESKA GERT MONUMENT"

Le Valeska Gert Monumentse déploie à travers une collection d’actes performatifs liés à la vie et à l’oeuvre de l’artiste allemande Valeska Gert. Interrogeantles notions de mémoire et d’archive, ce monument incarné, en empathie avec la vie migrante de Valeska Gert, utilise l’architecture toute entière du théâtre. Pour mettre à mal les angles morts de notre conscience historique, ce travail ne se contente pas de conjurer l’amnésie. Embarqué par le désir de raviver et de donner de l’intensité aux relations entre passé et présent, il invite les spectateurs à la rencontre d’une historicité très différente de l’histoire de l’art canonique. Certaines énergies du passé se retrouvent activées dans le présent et entraînent les spectateurs dans une aventure empirique. Dans le Valeska Gert Monument, l’autobiographie remplace l’histoire de l’art et le discours qui l’accompagne, pendant que l’imagination remplit les vides créés par l’absence ou le manque de documents. Le travail de fiction révèle au grand jour un site archéologique qui redonne forme à ce qui est intraçable, permettant ainsi à nouveau la fabrication de la mémoire et de l’histoire, ainsi que l’émergence d’un nouvel espace d’amitié et d’intimité.

Artiste singulière et fascinante, Valeska Gert s’impose comme une figure de la résistance artistique. Elle fut une figure importante de l’avant-garde, tournant le dos à la danse moderne qui venait de faire son apparition et était alors en pleine ascension. Au début des années 1920, elle développa une pratique performative expérimentale mêlant théâtre, danse, cinéma, poésie, chant, hybridation d’expressions alors importants sur la scène cabaret de Berlin. En s’emparant de la question du genre, de la race, de l’identité nationale et de l’esthétique, plutôt que de s’installer dans le courant artistique hégémonique alors complaisant avec le régime nazi, et ceci à l’inverse de bien d’autres artistes renommés de son temps, elle créa un art radical de la performance.

Malgré son audace artistique et son intensité performative provocante et anarchiste, le rôle de Valeska Gert dans l’histoire de la danse et de la performance a été pendant très longtemps négligé. Son goût pour le burlesque et le grotesque, sa préférence pour les marges et la création de nouvelles représentations du corps contre les esthétiques bourgeoises, ont fait d’elle l’une des plus grandes artistes de son époque. Sans son engagement radical, de très nombreuses productions artistiques du XXème siècle n’auraient jamais pu exister.

"DR. NEST"

Als Dr. Nest den Nachtzug besteigt, bestrebt bittere Erinnerungen und sein zerfahrenes Leben hinter sich zu lassen, kehrt in
der «Villa Blanca» die Nachtruhe ein. In der abgelegenen Heilanstalt, ein Sammelplatz verrückter Schicksale, tritt er selbstbewusst
seine neue Stellung an. Getrieben von Neugierde, Wissensdurst und Empathie trifft er dort auf die ebenso sonderbaren wie
rätselhaften Phänomene seiner Patienten: Verloschene Erinnerungen, Körper, gespaltene Persönlichkeiten, Dämonen und
Wahnbilder. Dr. Nest droht bald selbst die Ordnung zu entgleiten.

Was zunächst befremdet, erscheint schnell als ein aberwitziger Spiegel eigener Zweifel und Unsicherheiten. Die feine Linie zwischen
normal und nicht normal, zwischen bewusst und getrieben, zwischen gesund und krank verbleicht vor seinen Augen. Familie Flöz
kehrt in ihrem neuen Stück zurück zur Maske. Mit ihr und durch sie hindurch wirft das Ensemble seinen Blick auf die rätselhafte
Kartografie des menschlichen Gehirns und in die Tiefen der Seele. Inspiriert durch literarische Beschreibungen paradoxer
neurologischer Fälle, öffnet es die Türen einer fiktiven Heil- und Pflegeanstalt und offenbart dem Besucher die bizarren Welten
seiner Bewohner und des Personals.

Bewegung, Raum, Wort, Licht und Klang erschaffen eine ebenso tragische wie komische Erzählung von der Zerbrechlichkeit des
menschlichen Lebens.

"DR. NEST"

Tandis que le Dr. Nest monte dans son train de nuit, animé par la ferme intention de laisser derrière lui souvenirs amers et vie
décousue, la « Villa Blanca » retourne au calme à la faveur du soir. Dans cet établissement psychiatrique isolé, peuplée de destinées
traversées par la folie, le Dr. Nest embrasse sa nouvelle fonction avec assurance. Curieux, avide de savoir et débordant d’empathie,
il découvre peu à peu les phénomènes singuliers et énigmatiques qui affectent ses patients : souvenirs effacés, corps
fantomatiques, dédoublements de la personnalité, démons, chimères. Mais déjà le monde du Dr. Nest menace de basculer.

Ce qui, au début, lui paraissait étrange, insolite s’avère rapidement n’être rien d’autre que le reflet absurde de ses propres doutes et
incertitudes. La ligne étroite qui sépare le normal de l’anormal, les actes conscients des pulsions, les personnes saines des
personnes malades se brouille peu à peu à ses yeux. Pour son nouveau spectacle, Familie Flöz retrouve les masques. Et c’est avec
et à travers eux que la compagnie se penche sur la mystérieuse cartographie du cerveau et s’aventure dans les profondeurs de
l’âme. Inspirée par la description littéraire de phénomènes neuropsychiques étranges et à première vue paradoxaux, la compagnie
ouvre les portes d’un établissement psychiatrique fictif et fait découvrir aux spectateurs les mondes étranges où évoluent ses habitants... et son personnel!

Le jeu physique, l’espace, la parole, la lumière et le son créent un spectacle où le comique se mêle au tragique pour raconter la fragilité de toute vie humaine.

"Conversations out of places"

Die neue Arbeit von Ivana Müller ist eine Reflexion über die Welt, in der wir leben, ausgehend von unserer Beziehung zur Natur. 
Inspiriert von der Form des Conte Philosophique, dem philosophischen Salon des 18. Jahrhunderts, ist „Conversations Out of Place“ eine Allegorie in einem ungewöhnlichen und etwas absurden Universum. Hierin wandert eine Gruppe Menschen gemeinsam denselben Weg seit Tagen, Wochen, Monaten, Jahren. Ihren gemeinsamen Orientierungssinn behalten sie die ganze Zeit bei, verlieren aber langsam ihr endgültiges Ziel aus den Augen.
Interpretiert von vier Menschen und einer Pflanze und verstärkt durch die Blicke der Betrachter Innen, wirkt „Conversations Out of Place“ wie ein übersprudelndes Ökosystem, das Interaktionen, Symbiosen, Müll und Verschmutzung produziert… und dabei eine Artenvielfalt in einem permanenten Verwandlungszustand hervorbringt.

"Conversations déplacées"

Avec cette nouvelle création, inspirée par le genre littéraire du 18e siècle du conte philosophique, Ivana Müller en collaboration avec Hélène Iratchet, Julien Lacroix, Anne Lenglet et Vincent Weber propose une réflexion personnelle et décalée sur le monde dans lequel nous vivons en prenant comme point de départ notre relation avec la nature. Interprétée par quatre humains et une plante, Conversations déplacées est une allégorie qui se déroule dans un univers inhabituel, voire absurde, ponctuée de rencontres inattendues. Durant le spectacle nous accompagnons un groupe d’êtres vivants tout au long d’un chemin qu’ils parcourent ensemble depuis des jours, des semaines, des mois, des années, en remettant en cause leurs relations avec des concepts comme Nature, Travail, Illusion, Racines, Résistance etc.

À travers une série de tableaux en mouvement permanent, Conversations déplacées fonctionne comme un écosystème bouillonnant qui crée des interactions, des symbioses, des déchets, de la pollution, une certaine biodiversité.