2025
PROJETS LAURÉATS / GEFÖRDERTE PROJEKTE
Mackenzy Bergile | AUTOTHERAPIE - UNBOLTING COLONIAL STATUES FROM OUR CONSCIOUSNESS
Ali Moini | Limbscape
Theresa Kuhn | ØBLíK
Linda Hayford | ABÎMES
Cilio Minella | Paysages Sonores
Armin Hokmi | Repertoire (Bazm)
Kat Válastur | MoonJar
Lucinda Childs / Dance On Ensemble | STEIN
Yulia Arsen | Forever Lost
MACKENZY BERGILE
AUTOTHERAPIE - UNBOLTING COLONIAL STATUES FROM OUR CONSCIOUSNESS
© Ines Mauricio
Création / Uraufführung
Deutsche Erstaufführung : 07.08.2025 : Internationales Sommerfestival Kampnagel, Hamburg
Calendrier à venir / Kalender wird bald bekannt gegeben
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AUTOTHERAPIE - UNBOLTING COLONIAL STATUES FROM OUR CONSCIOUSNESS
AUTOTHERAPIE - UNBOLTING COLONIAL STATUES FROM OUR CONSCIOUSNESS
Autothérapie / Unbolting Colonial Statues From Our Consciousness est une œuvre plurielle. Elle naît d’un assemblage de réflexions, de formes et de langages qui reviennent sur une histoire individuelle et collective.
Formé à la fois à la danse traditionnelle haïtienne, aux danses afro-américaines et contemporaines, à la musique classique et aux arts visuels, Mackenzy Bergile développe une œuvre située à la croisée de la performance, de la recherche théorique et de la critique postcoloniale.
Autothérapie / Unbolting Colonial Statues From Our Consciousness ist ein pluralistisches Werk. Es entsteht aus einer Zusammenstellung von Reflexionen, Formen und Sprachen, die auf eine individuelle und kollektive Geschichte zurückblicken.
Ausgebildet in traditionellem haitianischen Tanz, afroamerikanischen und zeitgenössischen Tänzen, klassischer Musik und bildender Kunst, entwickelt Mackenzy Bergile ein Werk, das sich an der Schnittstelle zwischen Performance, theoretischer Forschung und postkolonialer Kritik befindet.
ALI MOINI
Limbscape
© Ali Moini
Création / Uraufführung
Représentations / Vorstellungen
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LIMBSCAPE
Le chorégraphe et performeur Ali Moini propose avec Limbscape un zoom sur les parties du corps comme fragments d’histoires et d’Histoire, porteuses de potentialités narratives et créatives propres.
En travaillant sur la fragmentation du corps, il tisse des liens entre les conflits internes et ceux du monde, entre les luttes, les connexions sociales, les identités.
LIMBSCAPE
Der Choreograf und Performer Ali Moini zeigt mit Limbscape einen Zoom auf Körperteile als Fragmente von Geschichten und Geschichte, die ein eigenes erzählerisches und kreatives Potenzial in sich tragen.
Indem er mit der Fragmentierung des Körpers arbeitet, knüpft er Verbindungenzwischen inneren Konflikten und denen der Welt, zwischen Kämpfen, sozialen Bindungen und Identitäten.
THERESA KUHN
ØBLíK
© Alexander Schmidt
Création / Uraufführung
Première française : 03.-04.06.2025 : Festival Furies, Châlons-en-Champagne
Deutsche Erstaufführung : 08.06.2025 : Ruhrfestspiele Recklinghausen
Représentations / Vorstellungen
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ØBLíK
“Schräg” en allemand signifie ‘oblique' mais désigne également quelque chose d’inhabituel ou de comique. Dans ØBLíK, vous trouverez Theresa Kuhn toujours juste à côté de l'endroit prévu. Entre deux grands “A” (Ah?) qui tiennent une corde sur laquelle il s' agit de tenir en équilibre. Tout bouge et se déplie, pendant 45 minutes contenu dans 6. Schräg. Schräger. Am schrägsten. * Vivre à l'oblique pour arriver à un moment où il sera possible de ne plus se regarder de travers. *oblique, oblik, ØBLíK
ØBLíK
„Oblique“ bedeutet „schräg“, und kann eine Position beschreiben, aber auch etwas Ungewöhnliches oder Komisches. In ØBLíK finden Sie Theresa Kuhn immer genau neben dem vorgesehenen Ort. Zwischen zwei großen Gestellen in Form von einem „A“s (AH?), die mit einem Seil verbunden sind, auf dem es darum geht, das Gleichgewicht zu halten. Alles bewegt sich und 6min Schlappseil entfalten sich in 45min. Schräg. Schräger. Am schrägsten leben, ohne sich gegenseitig schief anzuschauen.
LINDA HAYFORD
ABÎMES
© In Da Box Production
Création / Uraufführung
Première française : 03.02.2026 : Théâtre National de Bretagne, Rennes
Représentations / Vorstellungen
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ABÎMES
„Wir alle sind Träger*innen einer ständigen Mise en abyme. Wir bestehen aus einer Menge an Vergangenheit, ziemlich viel Gegenwart und dem, was wir in die Zukunft projizieren oder uns zumindest davon erhoffen. Alles wird durch den Körper erzählt. Der Mensch ist ständig an der Schnittstelle zu anderen: zu Generationen ein und derselben Familie, zu seiner Umgebung im weitesten Sinne und auch an der Kreuzung zwischen der Fantasie und der Wirklichkeit, die sich aus vielen Quellen zusammensetzt.
Genau an dieser Stelle wird sich die Mise en abyme der Situationen abspielen. Einerseits durch das Schaffen von fiktional - oder sogar fantastisch - inspirierten dimensionalen Zeiträumen in den Körpern und in einem Lebensraum, die von einem Korpus von „Organismen“ eingenommen werden; wie eine mikroskopische Beobachtung einer bestimmten Umgebung, in der die einzelnen Protagonist*innen das gesamte Universum verkörpern. Andererseits zur Enthüllung dieser „übernatürlichen“ Dimension, in der die Darsteller*innen ihre Beziehung zu dem umkehren, was ich den „Alltagskörper“ nenne, der das Erbe kulturbedingter Körperhaltungen und sozialer Verhaltensweisen ist; der nicht direkt mit einer ‚Meta‘-Reaktion verbunden ist, weil er durch das „Savoir-vivre“ bedingt ist, das unserer westlichen Gesellschaft eigen ist.“ Linda Hayford
ABÎMES
« On est toutes et tous porteur·se d’une mise en abîme permanente. Nous sommes faits de beaucoup de passé, de pas mal de présent et de ce qu’on projette ou du moins espérons du futur. Tout se raconte par le corps. L’être est constamment à la croisée d’autres : de générations d’une seule et même famille, de son entourage au sens large et aussi à l’intersection entre l’imaginaire et le réel fabriqué par de multiples sources.
C’est à cet endroit que va se jouer la mise en abîme de situations. En créant, d’une part, des espaces temps dimensionnels inspirés par la fiction - voire le fantastique, dans les corps et dans une zone de vie investis par un corpus « d’organismes » ; comme une observation au microscope d’un environnement particulier dont les protagonistes incarnent l’univers. Pour donner place, d’autre part, à cette dimension « surnaturelle », dans laquelle les interprètes inversent leur rapport à ce que j’appelle le « corps-quotidien », celui héritier de postures et de comportements sociaux culturels ; celui qui n’est pas directement relié à une réaction « méta » car conditionné par le « savoir-vivre » propre à notre société occidentale. » Linda Hayford
Cilio Minella
paysages sonores
© Silvio Meessen
Création / Uraufführung
Première française : 23.04.2025 : KLAP Maison pour la Danse, Marseille
Représentations / Vorstellungen
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paysages sonores
La Cie La SECOUSSE s’imprègne des paysages urbains et ruraux qu’elle rencontre au gré de ses pérégrinations. Les ambiances sonores qui habitent ces espaces, devenus à présent sources d’inspirations artistiques, se métamorphosent en mouvements, rythmes, images animées, peintures et musiques. Paysages Sonores, expérience visuelle et physique concrétise dans une scénographie immersive et vibrante, les vastes Paysages Sonores de Marseille (FR).
Le performeur-danseur Cilio Minella, croise et entrelace les recherches respectives du batteur Jakob Warmenbol, de la performeuse Marine Comte et du compositeur Matthieu Perrin afin de mettre en action leurs rapports au son par le biais de multiples jeux chorégraphiques. Ces jeux d’actions en mouvement soutenus par des compositions musicales originales et singulières sont accompagnés d’interventions en langue des signes dansées. Paysages Sonores est une recherche sur des formes de communication inhabituelles, non verbales. Cette performance vise à affiner nos relations sensorielles avec les qualités vibratoires du son, s’employant à le « rendre visible » au travers d’actions physiques et d’une scénographie mouvante. Les interventions chorégraphiées mettent en résonance le corps, les objets, l’espace, l’environnement sonore, créant ainsi un univers riche de sensations variées.
paysages sonores
Die Compagnie La SECOUSSE lässt sich von den Klangwelten inspirieren, denen sie auf ihren Reisen durch städtische und ländliche Landschaften begegnet. Diese Klangwelten werden zu Samples für Tanz, Gebärdenchoreografien, Rhythmus, Malerei und Soundkompositionen. « Paysages Sonores » übersetzt diese Erfahrungen in eine immersive und lebendige Szenografie, die die Klanglandschaften von Marseille (FR) körperlich und visuell erlebbar macht.
Der Performer und Tänzer Cilio Minella verbindet seine künstlerische Recherche mit der des Schlagzeugers Jakob Warmenbol, der Performerin Marine Comte und des Komponisten Matthieu Perrin. Gemeinsam setzen sie ihre Klangwahrnehmungen in choreografische Spiele, Malereien und Eigenkompositionen um. Gebärdenchoreografien ergänzen die Performance. « Paysages Sonores » erforscht nonverbale Kommunikationsformen, schärft unsere sensorische Beziehung zum Klang und macht ihn durch Bewegung und Raum sichtbar. Körper, Objekte und Klänge treten in Resonanz und schaffen ein reichhaltiges, sinnliches Universum.
armin hokmi
Repertoire (Bazm)
Création / Uraufführung
Deutsche Erstaufführung : 23.-26.07.2026: Radialsystem, Berlin
Représentations / Vorstellungen
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Kat Válastur
moonjar
© Nysos Vasilopoulos
Création / Uraufführung
Deutsche Erstaufführung : 29.01.2026: Hebbel am Ufer / HAU2, Berlin
Représentations / Vorstellungen
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Lucinda Childs / Dance On Ensemble
STEIN
Création / Uraufführung
Deutsche Erstaufführung : 24.07.2025: Radialsystem, Berlin
Représentations / Vorstellungen
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© Jubal Battisti
stein
STEIN ist die zweite Produktion im Rahmen der Encounters-Reihe des Dance On Ensemble. In dieser Reihe sind die Choreograf:innen selbst als Performer:innen auf der Bühne präsent. Sie lassen sich körperlich auf eine Begegnung mit einer:m Tänzer:in des Ensembles ein, der:die die Rolle des:der Co-Autor:in übernimmt. In dieser neuen Kreation teilt sich die Choreografin Lucinda Childs die Bühne mit der Tänzerin Miki Orihara, die vor allem für ihre Arbeit als Solotänzerin der Martha Graham Dance Company bekannt ist.
stein
STEIN est la deuxième production dans le cadre de la série Encounters du Dance On Ensemble. Dans cette série, les chorégraphes sont eux-mêmes présents sur scène en tant qu'interprètes. Ils s'engagent physiquement dans une rencontre avec un danseur de l'ensemble, qui joue le rôle de coauteur. Dans cette nouvelle création, la chorégraphe Lucinda Childs partage la scène avec la danseuse Miki Orihara, reconnue pour son travail en tant que danseuse solo de la Martha Graham Dance Company.
yulia arsen
forever lost
© Mila Orishchenko
Création / Uraufführung
Deutsche Erstaufführung : 24.10.2025-16.11.2025: VOICES Performing Arts Festival, Berlin
Représentations / Vorstellungen
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Forever lost
Forever Lost est une série de performances pluridisciplinaires qui plonge dans la nostalgie, la mémoire collective et le sentiment troublant de futurs perdus. Mêlant danse, musique expérimentale, vidéo et installation immersive, le projet réinvente les rituels culturels post-soviétiques pour explorer des émotions universelles comme la solitude, l’inertie et l’espoir.Ses deux chapitres — Do You Really Wanna Live Forever et Utrennik — embarquent le public dans une traversée de boucles temporelles fantomatiques, en posant une question essentielle : la nostalgie peut-elle devenir un moteur d’action plutôt qu’un piège de paralysie mélancolique ? Dans un monde où le capitalisme vend une joie performative et où les avenirs sont sans cesse repoussés, Forever Lost nous demande : comment briser la boucle?
forever lost
Forever Lost ist eine multidisziplinäre Performance-Reihe, die sich mit Nostalgie, kollektiver Erinnerung und dem unheimlichen Gefühl verlorener Zukünfte auseinandersetzt. Durch die Verbindung von Tanz, experimenteller Musik, Video- und Installationskunst werden post-sowjetische Kulturrituale neu interpretiert, um universelle Emotionen wie Einsamkeit, Trägheit und Hoffnung zu erforschen.Die beiden Kapitel – Do You Really Wanna Live Forever und Utrennik – nehmen das Publikum mit auf eine Reise durch geisterhafte Zeitschleifen und stellen die Frage, ob Nostalgie ein Auslöser für Handlung sein kann, anstatt uns in melancholischer Lähmung festzuhalten. In einer Welt, in der der Kapitalismus inszenierte Freude verkauft und Zukünfte endlos aufgeschoben werden, fragt Forever Lost: Wie durchbrechen wir den Loop?
